En Cuatro Patas: Feminist Latinx Performance and Video

Clockwise; luciana achugar FEELFORM by Steven Schreiber; Carmina Escobar by JP García Busio; Still from evidence; Amapola Prada, courtesy of the artist

Thursday, May 24, 2018 | 8:30 p.m.
SOLD OUT

This edition of En Cuatro Patas includes feminist Latinx performances and video pieces taking place throughout the museum. Tickets include general admission access to The Broad from 5:30–8 p.m. when the galleries close. 

PERFORMANCE

luciana achugar, FEELingpleasuresatisfactioncelebrationholyFORM, 25 minutes
FEELingpleasuresatisfactioncelebrationholyFORM poses art as healing ritual rather than spectacle. Four women engage in a practice of being in pleasure and giving their bodies a voice, a practice of becoming uncivilized and decolonized. FEEL … FORM subverts the deeply ingrained notion that the body is lesser, unruly or “ugly” by identifying with the “other” — the animal and the silenced voice of instinct and feminine desire.

VIDEOS

Oculus Hall, total run time 29 minutes

Amapola Prada, 2014, 2:34 minutes
Amapola Prada uses the idea of the bull as a symbol of vital force, drawing parallels between the animal and the human to reflect on how education and socialization repress this force. The video shows a female character dressed in a dark gray school uniform and tied to the fence of a cowshed, performing the action of running forward vigorously and repeatedly.

Joiri Minaya, Satisfied, 2002, 5:39 minutes
Satisfied is a video performance in which a woman progressively takes a series of stuffed fabric forms from a bowl and puts them in her mouth, after dipping them in coffee and sugar. The task becomes more difficult and uncomfortable as the space in the performer’s mouth begins to diminish, but she continues.

Xandra Ibarra + Rob Fatal, Fuck My Life, 2012, 3:44 minutes
A sordid and fatigued showgirl sluggishly awakes to face yet another day.

Julie Tolentino + Abigail Severance, evidence, 2014, 4:17 minutes
evidence explores the idea of a female, brown, artist/activist body in the unseen yet held spaces of relationship, memory, sex and loss. The video is the third installment in Eye Witness (2010 – 2014), a series of short, intimate experiments in process. 

Mickey Negron, PonerMickeytarme: Ritual de pluma y purificacion, ND, 10:21 minutes
This multimedia piece by Puerto Rican artist Mickey Negron is a fictionalized autobiographical documentary that highlights issues of gender inequality and homophobia in the church. He says of the work: “We crossed the sea of people in fanatical praise, with the purpose of making art of misery. We received insults with biblical euphemisms. The camera prevented an assault and captured multiple threats. We ended up on the beach. Purifying. Here is the result. Look with patience and (com)passion.”

Joiri Minaya, Binólogo #1 (Nest / Nido), ND, 3:07 minutes
The video series Binólogos explores different power positions in relation to gender roles and domestic space. Through somewhat surreal situations, said roles are embodied, combined or reversed, creating new logics. In Binólogo #1 (Nest), a woman digs into a nest in a man’s crotch.

PERFORMANCE

Carmina Escobar, Passer, 25 minutes
Experimental vocalist Carmina Escobar is a sound and intermedia artist from Mexico City, currently based in Los Angeles. Her work focuses on sound, the voice and the body and their interrelations to physical, social, and memory spaces. She applies a wide range of vocal techniques to her performance and creative practice that serve to investigate radical ideas and concepts regarding the voice. 

PERFORMANCE

luciana achugar, FEELingpleasuresatisfactioncelebrationholyFORM, 25 minutos
FEELingpleasuresatisfactioncelebrationholyFORM propone que el arte sea una especie sanación en vez de ser solo un espectáculo. Cuatro mujeres se dedican a la práctica de estar en el placer de estar en, y de devolverles a sus cuerpos su voz. Una práctica de volverse incivilizadas y descolonizadas. Una práctica de cultivarse un cuerpo nuevo, como se cultiva una planta; un cuerpo utópico; un cuerpo sensual, sensorial y sensacional; un cuerpo conectado; un cuerpo anárquico; un cuerpo lleno de placer y de magia; para aproximarnos a un estado utópico post-civilizado, con un cerebro que se extienda a la carne, los huesos, las tripas, la piel y la cola… FEEL…FORM subvierte nuestra noción internalizada y normativa de que el cuerpo (lo irracional, lo feminino, lo incivilizado, lo no Europeo, la vivencia no comerciable) es menor, rebelde, desagrable o feo, al escoger la identificación con el “otro”, lo animal y la voz silenciada del instinto y del deseo femenino.

VIDEOS

Oculus Hall, 29 minutos

Amapola Prada, 2014, 2:34 minutos
Es una acción en video que fue creada en el marco de la exposición colectiva (EX)PULSIONES. Curaduría de Convivencia, en la que se trabajó en torno al simbolismo del toro, animal de origen colonial e integrado al ámbito social y cultural a través del proceso de mestizaje. En esta exposición, Amapola Prada recoge la idea del toro como símbolo de la fuerza vital y creadora de la naturaleza y, estableciendo un paralelo entre lo animal y lo humano, reflexiona acerca de la educación como proceso represor de esta fuerza vital. El video muestra un personaje femenino amarrado al cerco de un establo, vestido con el uniforme escolar gris oscuro que por 12 años vistió la propia artista y su generación, realizando la acción de correr enérgica y reiterativamente hacia adelante.

Joiri Minaya, Satisfecha, 2002, 5:39 minutos
Satisfecha es un video-performance donde una mujer progresivamente toma una serie de formas de tela rellenas de algodón y las pone en su boca, después de sumergirlas en café y azúcar. La tarea se vuelve más difícil e incómoda para la artista a medida que el espacio en su boca empieza a disminuir, pero continúa. 

Xandra Ibarra + Rob Fatal, Fuck My Life, 2012, 3:44 minutos
Una showgirl sórdida y exhausta se despierta en estado de letargo para lidiar con otro día más.

Julie Tolentino + Abigail Severance, evidencia, 2014, 4:17 minutos
En evidencia, el cuerpo en movimiento desnudo de Julie Tolentino se articula hacia atrás, sus manos y rodillas sosteniendo un grupo de tazas de medicina asiáticas, su movimiento mediado y emparejado con intricadas intervenciones de la imagen digital. El sonido convoca una lista cuir de seres queridos, vivos y muertos, reconocibles o no y funciona a la vez como invocación y provocación de individuos que cambiaron profundamente su perspectiva. El marco espera pacientemente a que el cuerpo y la evidencia lleguen, mientras el tiempo y el movimiento entran y salen de la realidad. A medida que los nombres listados se desvanecen y se archivan en el cuerpo de Tolentino, evidencia abre la potencia de la lista a través de un cuerpo femenino, moreno, artista/activista a espacios de relación, memoria, sexo y pérdida no vistos, pero que funcionan como soporte. evidencia es la tercera entrega de Eye Witness (2010-2014), una serie de experimentos breves e íntimos en proceso entre Severance y Tolentino. Como cineasta (Severance) y artista de instalación de performance basada en movimiento (Tolentino) en conversación, teníamos curiosidad sobre las intersecciones entre el cuerpo y el marco. Para cada experimento, establecimos un conjunto de parámetros, trabajando verbalmente y visualmente, encontrando uniones conceptuales y rítmicas a lo largo de los límites de lo auténtico y lo ficticio, lo recordado y lo imaginado, lo orgánico y lo mediado, y entre el anhelo y el trauma. Usamos el ensayo, la actuación en vivo y la improvisación para investigar el intercambio resbaladizo entre las opciones del marco y la fenomenología del movimiento.

Mickey Negron, PonerMickeytarme: Ritual de pluma y purificacion, ND, 10:21 minutos
Sin permiso ni licencias, esta intervención urbana es el cierre de PonerMickeytarme, una pieza escénica multimedia que estaba presentando en El CBA de Santurce. En esta pieza trabajo con mi pueblo Aibonito, la industria del pollo, mi familia y mi amor. Es una autobiografía documental ficcionalizada. El tema de la desigualdad de género y la iglesia han sido dispositivos en la mayor parte de mi trabajo. Reconozco la incomodidad y la provocación que causó mi presencia en esa marcha y me sentí muy satisfecho en medio de quienes, con su discurso, me clasifican como una aberración y niegan mis derechos. Gracias a todos los feligreses que me abrazaron y rezaron por mí. Han completado la pieza compadeciendo a este pobre marica perdido. Mis plumas estaban esparcidas en la calle de la protesta. No soy ateo, ni cristiano, ni satanista. Amo a gente diversa y los admiro. Soy un artista puertorriqueño que ha experimentado la homofobia. Acompañados por dos colaboradores (Helen Ceballos y Ryan Pérez en la cámara) cruzamos el mar de personas en alabanza fanática, con el propósito de hacer arte de la miseria. Recibimos insultos con eufemismos bíblicos. La cámara evitó un asalto y capturó múltiples amenazas. Terminamos en la playa. Purificación. Aquí está el resultado. Mira con paciencia y (com) pasión.

Joiri Minaya, Binólogo #1 (Nest / Nido), ND, 3:07 minutos
La serie de videos Binólogos explora las posiciones de poder en relación a los roles de género por medio de situaciones ligeramente surreales en las que se personifican, combinan o revierten dichos roles, creando nuevos sistemas de lógica. En Binólogo #1 (Nido), una mujer cava dentro de un nido en la entrepierna de un hombre.

PERFORMANCE

Carmina Escobar, Passer, 25 minutos
La vocalista experimental Carmina Escobar es una artista de sonora e intermedia de la Ciudad de México, actualmente radicada en Los Ángeles. Su trabajo se centra en el sonido, la voz, el cuerpo y sus interrelaciones con los espacios físicos, sociales y de la memoria. Ha desarrollado una amplia gama de técnicas vocales que aplica no sólo a su práctica creativa, sino también para investigar ideas y conceptos radicales sobre la voz. En su obra la Voz es el fenómeno y desencadenante conceptual que une todos los materiales, analógicos o digitales, para crear una experiencia que pone en movimiento la percepción de la audiencia.

Biographies / Biografías

luciana achugar

luciana achugar is a Brooklyn-based choreographer from Uruguay who has been making work in New York City and Uruguay independently and collaboratively since 1999. Her work is concerned with the postcolonial world and searches for an undoing of current power structures from the inside out. She is a two-time Bessie Award recipient. The Pleasure Project, an ongoing public space intervention, has been seen since 2014 throughout New York City, at Le Mouvement — Performing the City Festival in Biel/Bienne, Switzerland, and as part of the 2016 Seattle Art Fair. Most recently, she received the 2017 Alpert Award for Dance and a 2017 – 18 Brooklyn Arts Exchange Artist Residency.

luciana achugar es una coreógrafa uruguaya que vive y trabaja en Brooklyn y quién se desarrollo como artista entre Uruguay y NY en diálogo con ambas comunidades de arte y danza contemporánea luego de haberse graduado del California Institute of the Arts en 1995. Sus obras reflejan su perspectiva latinoamericana de un mundo post-colonial y buscan desarmar las estructuras de poder actuales desde el cuerpo y lo corpóreo. Dos de sus obras ganaron el premio Bessie de NY y su última obra Un Epílogo para OTRO TEATRO: True Love recibió una nominación al premio en 2016. achugar ha recibido el apoyo de numerosas fundaciones, entre otras una Guggenheim Fellowship, Creative Capital Grant, Foundation for Contemporary Arts Grant, Lower Manhattan Cultural Council President’s Award, y NYFA Fellowships. En el 2012 fue incluida en la lista “25 to Watch” de Dance Magazine y en el 2010 fue nombrada una de las mejores de la Danza por la revista TimeOUT NY. En el 2015 su obra OTRO TEATRO ganó el premio del círculo de críticos de Austin, TX a la mejor obra del año en gira. The Pleasure Project, un proyecto que continua como intervención de espacios públicos, empezó en el 2014 en NYC donde continúa, y también ha estado en el Festival Le Mouvement-Performing the City en Biel/Bienne, Suiza, y en el Seattle Art Fair del 2016. Más recientemente, recibió el Herb Alpert 2017 Award en la categoría de Danza y una residencia artística del 2017-18 en el Brooklyn Arts Exchange.

Amapola Prada

Amapola Prada lives and works in Lima, Peru. She investigates the intimate spaces within human beings and the apparent tensions of collectively engaged individuals to create symbolic works that resonate with the social conflicts of everyday life. Her work has been presented at such places as the San Francisco Art Institute (USA), the Malta Festival Poznań (Poland) and Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (Mexico). She has collaborated with the artist MPA in actions performed at PERFORMA 11 and the Whitney Museum of American Art. In 2017 Prada was a resident at Delfina Foundation and is presenting a solo show at Mario Testino Museum (MATE) in Lima in 2018.

Amapola Prada vive y trabaja en Lima, Perú. Le interesa investigar los procesos a través de los cuales pueden ser expresados aspectos íntimos del ser humano, albergados en el cuerpo de manera simbólica. Asimismo, reflexionar sobre las memorias particulares y colectivas, las practicas sociales y los contextos donde se desarrollan los aprendizajes. Su trabajo ha sido presentado en el San Francisco Art Institute (EEUU), Malta Festival Poznań (Polonia), Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (México), Instituto Hemisférico de Performance y Política, entre otros. Ha colaborado con la artista MPA en acciones realizadas en PERFORMA 11 y en el Whitney Museum of American Art. Amapola obtuvo una beca del Franklin Furnace Fund 2008-09 y su trabajo forma parte de la colección Video Americas de la Fundación Kadist. En el 2017 fue seleccionada para realizar una residencia en la Fundación Delfina y presentar una exhibición individual en el Museo Mario Testino (MATE) en Lima en el 2018. Estudió Psicología Social en la Pontifica Universidad Católica del Perú.

Joiri Minaya

Joiri Minaya is a multidisciplinary artist. Born in New York, she grew up in the Dominican Republic and earned degrees from the Escuela Nacional de Artes Visuales in Santo Domingo, the Altos de Chavón School of Design and Parsons the New School for Design. She has participated in such residencies as Skowhegan School of Painting and Sculpture, Guttenberg Arts, Smack Mellon and BronxArtSpace. Minaya has exhibited internationally across the Caribbean and the United States and is in the collections of the Museo de Arte Moderno in Santo Domingo and the Centro León Jiménes in Santiago, DR.

Joiri Minaya (1990) es una artista Domínico-Americana multidisciplinaria. Nacida en Nueva York, creció en República Dominicana. Es egresada de la Escuela Nacional de Artes Visuales de Santo Domingo, la Escuela de diseño Altos de Chavón, y Parsons the New School for Design. Ha participado en residencias como Skowhegan School of Painting and Sculpture, Guttenberg Arts, Smack Mellon, BronxArtSpace, Bronx Museum’s AIM Program y NYFA Mentoring Program for Immigrant Artists. Minaya ha exhibido en varias naciones del Caribe y ciudades de Estados Unidos. Ha recibido premios de las fundaciones Joan Mitchell y Rema Hort Mann, y su obra forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno en Santo Domingo y el Centro León Jiménes en Santiago, Republica Dominicanas.

Abigail Severance

Abigail Severance’s films comprise an ongoing excavation of nostalgia as both addiction and inspiration. She employs a broad range of cinema forms, from narrative to essay and experimentation, to investigate melancholia, rhythm and qualities of being female in America. Her work has screened in the United States and abroad, including MOCA, Los Angeles; Sundance; Los Angeles Film Festival; Studio Museum Harlem; and Mix LBGT Experimental Festival (New York and São Paolo). Severance is on the faculty of the CalArts School of Film/Video. Her current projects include Acadia, an essay film about homesickness in Nova Scotia, and The Summer We Drowned, a narrative feature.

Las películas de Abigail Severance consisten en una reflexión de la nostalgia como adicción e inspiración. Emplea una amplia gama de formas cinemátograficas, desde la narrativa hasta el ensayo y la experimentación, para investigar la melancolía, el ritmo y las formas de ser mujer en Estados Unidos. El trabajo de Severance ha sido mostrado en el EE. UU. e internacionalmente, incluyendo MOCA Los Ángeles, Wexner Center for the Arts, Sundance, Festival de Cine en Los Angeles, REDCAT, Studio Museum Harlem, Mix LBGT Experimental Festival (Nueva York y Sao Paulo) y el Museo Nacional de Mujeres en las Artes. Severance es miembro de la facultad de la Escuela de Cine / Video CalArts, donde también fue Decana Asociada entre 2012 y 2016. Sus proyectos actuales incluyen Acadia, película de cine ensayo sobre la nostalgia en Nueva Escocia, y The Summer We Drowned, una película narrativa que fue parte del Film Independent Lab y Proyecto de Sundance Creative Producers Conference.

Julie Tolentino

Julie Tolentino is a multidisciplinary artist who creates durational movement-based installations using the raced and gendered body as a site of intervention. Since 1992 she has had solo, collaborative and group projects commissioned and presented in gallery, festival, museum and theater settings in the United States, Europe and Southeast Asia. Tolentino co-authored the Lesbian AIDS Project's Women's Safer Sex Handbook and was a member of ACT UP: House of Color Video Collective and Art Positive. She ran the legendary Clit Club in New York from 1990 to 2012. She is Provocations co-editor of The Drama Review (MIT Press) and recently published Ellen Cantor: “I’m Still Coming” with Pati Herling (Capricious Press).

Julie Tolentino es una artista multidisciplinaria que crea instalaciones de movimiento duracional, utilizando el cuerpo racializado y generizado como sitio de intervención. Desde 1992, sus proyectos individuales, en colaboración y grupales han sido encargados y presentados en galerías, festivales, museos y teatros en los Estados Unidos, el Reino Unido, Europa y el sudeste asiático. Sus proyectos más destacados incluyen Cry of Love con Stosh Fila, The Sky Remains The SameHoney, y After The Future, 2017. Tolentino realizo FERAL HOUSE * STUDIO en el desierto de Mohave.  Trabajó con Ron Athey, David Rousseve y sus proyectos recientes de colaboración incluyen Ryan Tacata, Kadet Khune, Panos, Robert Crouch, Banetoriko, y Patrick Murch  MataNoise, en el Centro de Arte de Yerba Buena. Tolentino es coautora del Manual de sexo seguro para Mujeres, un proyecto de Lesbianas contra el SIDA, fue miembro de ACT UP, Colectivo de Video House of Color y Art Positive, y también dirigió el legendario Clit Club en Nueva York desde 1990-2002. Tolentino es actualmente la editora de Provocaciones en The Drama Review / MIT Press con taisha paggett y publicó recientemente “Ellen Cantor: I'm Still Coming” con Pati Herling y Capricious Press. Fue co-curadora del programa de exhibición y performance de la Galería Maccarone en el 2016, LLEGANDO AL PODER: 25 años de Trabajo Sexualmente X-plícito realizado por Mujeres. El trabajo de Tolentino se presentará en la próxima Bienal de Manila 2018 en Filipinas y en el Festival NO de Luis Lara Malvacias.

 

About En Cuatro Patas

En Cuatro Patas continues the exploration of the politicized body, featuring feminist Latinx performance and media artists who ruminate on and fantasize alternative embodiments. The artists featured in this series dissolve boundaries between animal and human while exploring the transformational and pleasurable possibilities of the non-human figure. The series invites artists to take on the corporeality of the abject, the degraded, the non-human, the sub-human—the animal. En Cuatro Patas assumes other positions, realities and political imperatives that imagine a world otherwise. Through a series of four programs that include performance, film and video, artists from Los Angeles and Latin America will come together to mobilize the body through varied interventions. For many of the artists, it will be their first time performing in Los Angeles. En Cuatro Patas will launch in January 2018 as part of the Pacific Standard Time Festival: Live Art LA/LA organized by REDCAT and will continue throughout 2018.

En Cuatro Patas Performance Dates 

  • Saturday, Jan. 20
  • Thursday, May 24
  • Thursday, Oct. 11
  • Thursday, Nov. 15

En Cuatro Patas presenta artistas feministas Latinxs de performance y de medios que rumian y fantasean corporalidades alternativas. Los trabajos en esta serie disuelven las fronteras entre lo animal y lo humano y tambíen exploran las posibilidades transformacionales y plancenteras de la figura no humana. Esta serie invita a artistas a considerar la corporalidad de lo abyecto, lo degradado, lo no humano, lo infrahumano, lo animal. En Cuatro Patas asume posiciones y realidades alternativas e imperativos politicos que imaginan el mundo de otra manera. Los cuatro eventos que conforman esta serie incluirán performances, cine y video, y se realizarán en el Museo Broad. Por medio de esta serie, artistas de Los Ángeles y de América Latina se reunirán para movilizar el cuerpo a través de varias intervenciones. Los eventos comenzarán en enero de 2018 y son parte de Getty’s PST: LA/LA Performance Series y continuarán durante todo el año.

Fechas de rendimiento de En Cuatro Patas

  • Sábado, 20 de enero
  • Jueves, 24 de mayo
  • Jueves, 11 de octubre
  • Jueves, 15 de noviembre